Reflexión

En estos primeros meses de la materia puedo destacar el conocimiento que he adquirido sobre los pintores y las obras mas relevantes, los diferentes movimientos y su consistencia, y las vanguardias. 

Hubo obras y movimientos que me gustaron mas que otros, como obra destaco "Madame Matisse" de Henri Matisse y como movimiento me gustaría destacar el HIPERREALISMO. 

A mi parecer, el blog fue una buena forma de aprender sobre cada movimiento ya que a la hora de armar cada entrada era necesario leer cientos de páginas al respecto y así conseguir la información que lo describa mejor.

Neoexpresionismo

Neoexpresionismo:

Este movimiento pictórico surge a finales de los años setenta y principios de los ochenta en Alemania, desde donde se expandió por el resto de Europa y Estados Unidos.

Nace como una reacción contra el minimalismo y el arte conceptual que predominaron durante los años setenta. Dicho movimiento se caracteriza por su agresividad, sus descarnados temas, la forma en que estos son tratados y el uso de imágenes fácilmente reconocibles como el cuerpo humano, generalmente dibujadas de manera muy burda.

El neoexpresionismo se propone retomar la figuración desde su tratamiento violento y primitivo, determinado por la pincelada y el uso de colores contrastantes, aunque conservando la disposición tradicional de la composición.
Los artistas neoexpresionistas volvieron a emplear los elementos formales del expresionismo alemán y del expresionismo abstracto americano en un retorno a la pintura figurativa, a menudo de escala colosal. Cubriendo una amplia gama de temas culturales, mitológicos, históricos y eróticos, los neoexpresionistas tienden a emplear una pincelada gestual, destaca por obras de gran tamaño y ostentosas figuras, con una técnica agresiva: el “dripping”, pinceladas gestuales aplicadas violentamente sobre la tela.

Entre los artistas americanos más destacados podemos encontrar a David Salle y Julian Schnabel, aunque hubo una vertiente muy particular, cargada de humor e ironía, representada por Keith Haring y Jean-Michel Basquiat. En el caso de Alemania sus más memorables representantes fueron Georg Baselitz, Jorg Immendorff, Anselm Kiefer, A. R. Penck mientras que Sandro Chia y Francesco Clemente representan las figuras italianas internacionales.

Breve reseña de Georg Baselitz:

Artista alemán, cuyo expresionismo figurativo contribuyó al renacimiento del arte representacional a finales del siglo XX. Baselitz, cuyo verdadero nombre es Georg Kern, nació en Deutschbaselitz, Sajonia, el 23 de enero de 1938. Adoptó el nombre de Baselitz en 1956, cuando se trasladó a lo que entonces era Berlín occidental, después de su expulsión dela Kunstakademie de Berlín oriental. Entre 1957 y 1964 asistió a la Academia de Arte de Berlín occidental, donde estudió con Hann Trier. Su primera exposición se realizó en 1961 en esa ciudad, junto con la obra del pintor Eugen Schönebeck, con el que publicó los manifiestos Pandämonium en 1961 y 1962. Tras alcanzar una considerable fama, recibió numerosos premios y fue catedrático de pintura en las universidades de Karlsruhe y Berlín. Sus primeras obras, con una fuerte influencia del Art Brut, se caracterizaban por la profusión de imágenes sexuales explícitas. En la década de 1960 pintó varias series de figuras monumentales a las que llamó Héroes, Rebeldes o Pastores. Al final de este período comenzó a realizar composiciones invertidas con el fin de acentuar sus cualidades formales en oposición a lo figurativo. Continuó realizando figuras invertidas en las décadas siguientes, como puede apreciarse en Nariz roja (1987, Städtisches Kunstmuseum, Bonn), un desnudo femenino pintado con un estilo expresivo característico. También fue célebre por algunos grabados de gran calidad y por sus ambiciosas esculturas en madera. Baselitz fue uno de los artistas alemanes más importantes de su época y tuvo una influencia crucial en la nueva generación de artistas figurativos que surgieron en Alemania y otros países occidentales en los últimos años de la década de 1970 y durante la de 1980.

Descripción de la obra “Cena en Dresde”:

En esta obra, mantiene la tendencia figurativa, pero las escenas y personajes aparecen pintados boca abajo, tratando de romper con el convencionalismo habitual hasta el momento en la historia de la pintura. Como afirmaba el propio pintor: "Mis composiciones del revés fueron en realidad el resultado de un largo proceso para intentar subvertir el orden normal de los pintores... A fin de cuentas, la provocación es la regla general de la historia de la pintura".

Podemos creer que Baselitz no ha pintado sus cuadros verdaderamente boca abajo, sino que se ha limitado a colgarlos del revés.

Tal vez en ese tipo de cosas quiera Baselitz que reflexionemos cuando cuelga sus cuadros de dicho modo. El mundo al revés.

Fuentes:

http://www.artequinvina.cl/prontus_artequin/site/artic/20080725/pags/20080725170411.php

http://www.biografiasyvidas.com/biografia/m/munch.htm

http://www.epdlp.com/pintor.php?id=2669

Hiperrealismo

Hiperrealismo:

Este movimiento es la escuela pictórica de tendencia realista más absoluta de la historia.  ElHiperrealismo pretende ofrecer una versión minuciosa y detallada de las imágenes.

Surgió en los Estados Unidos a finales de los años 60 del siglo XX; el hiperrealismo se promovió en Europa por la V Documenta (1972) de Kassel y fue confirmado por la exposición que Uldo Kulterman presentó en París bajo ese nombre.

Los temas generalmente son paisajes urbanos, fachadas de tiendas, retratos, animales, cuerpos humanos, etc.

Los artistas hiperrealistas tratan de buscar, con el más radical de los verismos, una transcripción de la realidad usando los medios técnicos y fotográficos de la manipulación de las imágenes. Consiguen con la pintura al óleo o la escultura, el mismo detallismo y encuadre que ofrece la fotografía.

Entre los artistas más destacados podemos encontrar a D. Hanson, J.Salt, D. Eddy, C. Clarke, J. de Andrea, J. Harvorth, A. Dworjowitz, C. Bravo y Chuck Close.

Breve reseña de Chuck Close:

Nació el 5 de julio de 1940 en Monroe, Washington. Pintor estadounidense célebre por sus gigantescos retratos basados en primeros planos fotográficos. Los rostros que pinta, y que llegan a medir hasta 3 metros de altura, reflejan cada una de las arrugas y poros del retratado. Su técnica consiste en proyectar una fotografía sobre el lienzo previamente cuadriculado y trasladar metódicamente, cuadrícula a cuadrícula, la imagen a la tela. En 1964 obtuvo el doctorado en Bellas Artes en la Universidad de Yale. En 1964 y 1965 estudió en Viena (Austria) gracias a una beca Fulbright. De 1965 a 1967 fue profesor de Arte en la Universidadde Massachusetts, en Amherst, y posteriormente se trasladó a vivir a la ciudad de Nueva York. Pintó su primer cuadro a partir de una fotografía en 1966 y en los siguientes años realizó una serie de retratos enormes en blanco y negro. El sistema de cuadrícula estaba muy extendido entre un grupo de pintores conocidos como hiperrealistas. En 1970 comenzó a pintar retratos en color y en las siguientes décadas pasó del hiperrealismo a una forma de realismo más abstracto. Comenzó, por ejemplo, a añadir a cada cuadrícula su huella dactilar, que entintaba previamente en una almohadilla, como en el caso de Robert/Huella dactilar cuadrada II (1978, Colección de Julius E. Davis). Las huellas dactilares oscuras conforman las zonas sombrías del cuadro, mientras que las más claras o fragmentos de éstas se utilizan para las zonas más luminosas. Durante las décadas de 1980 y 1990 continuó experimentando con diferentes formas dentro de cada cuadrícula, introduciendo en cada una de ellas pinturas abstractas en miniatura, que recuerdan a pequeñas amebas de colores brillantes como el fucsia, el amarillo mostaza, el violeta oscuro y el turquesa. Si se observa la obra a cierta distancia, esos centenares de formas abstractas llenas de color se combinan para conformar un retrato de una minuciosidad en el detalle y de un realismo fotográfico impresionante. En 1988 un trombo en una arteria le provocó una parálisis parcial que le obliga a utilizar silla de ruedas. No obstante, continúa pintando con la ayuda de unas pinzas de bronce y un caballete móvil especialmente diseñado para él.

Descripción del Autorretrato de Chuck Close:

Durante 25 años, el pintor Chuck Close ha asombrado al mundo con sus particulares y gigantescos retratos. Formados por multitud de pequeños bloques bien ordenados, que contemplados desde una cierta distancia ponen de manifiesto caras humanas que de cerca permanecían ocultas para el ojo.

Cuanto más te alejas de los retratos más realista ves la foto en que aparecen. Cuando te acercas a ellos comienza a parecer más y más abstracta.

Fuentes:

http://www.epdlp.com/pintor.php?id=3268
http://www.artelista.com/hiperrealismo.html
http://ar.fotolog.com/cardinalsin/47766500/
https://www.google.com.ar/search?q=hl%3Des%26sl%3Den%26u%3Dhttp%3A%2F%2Fwww.statemaster.com%2Fencyclopedia%2FChuck-Close%26prev%3D%2Fsearch%253Fq%253DChuck%252BClose%252Bb.%252B1940%252BKiki%2C%252B1968%2526hl%253Des%2526sa%253DG%26rurl%3Dtranslate.google.com.ar%26twu%3D1%26usg%3DALkJrhhxjWBonFJJMarC5M77yL9xFuDZ4A&rlz=1C1CHKW_esAR442AR442&aq=f&oq=hl%3Des%26sl%3Den%26u%3Dhttp%3A%2F%2Fwww.statemaster.com%2Fencyclopedia%2FChuck-Close%26prev%3D%2Fsearch%253Fq%253DChuck%252BClose%252Bb.%252B1940%252BKiki%2C%252B1968%2526hl%253Des%2526sa%253DG%26rurl%3Dtranslate.google.com.ar%26twu%3D1%26usg%3DALkJrhhxjWBonFJJMarC5M77yL9xFuDZ4A&aqs=chrome.0.57.448j0&sourceid=chrome&ie=UTF-8

http://www.donrelyea.com/cgi-bin/blosxom.cgi/2007/04/

Arte Óptico

Arte Óptico:

Es un movimiento pictórico nacido en Estados Unidos en el año 1958, conocido mayormente por su acepción en inglés: Op Art.
Es una corriente artística abstracta, basada en la composición pictórica de fenómenos puramente ópticos, sensaciones de movimiento en una superficie bidimensional, engañando al ojo humano mediante ilusiones ópticas. Se utilizan estructuras de repetición con un orden claro.
Frente a otras tendencias racionales, el Arte Óptico se basa en principios científicos rigurosos con el fin de producir efectos visuales inéditos. Se trata de un arte impersonal, técnico, en el que queda abierta, a veces, la posibilidad de que el espectador modifique la configuración que ofrece.
Surge como una derivación de la abstracción geométrica.
Las obras del Arte Óptico interactúan con el espectador provocando una sensación de movimiento virtual mediante efectos de ilusión óptica, situación que desencadena una respuesta dinámica del ojo y una cierta reacción psicológica derivada de su apariencia sorprendente. Se utiliza para ello la construcción de perspectivas que el ojo no puede fijar en el espacio

Para que quede más en claro lo dicho anteriormente, este movimiento se puede caracterizar de la siguiente manera: la ausencia total del movimiento real, todas sus obras son físicamente estáticas; se pretende crear efectos visuales tales como movimiento aparente, vibración, parpadeo o difuminación; usa los recursos de líneas paralelas, tanto rectas como sinuosas, contrastes cromáticos marcados, ya sea poli o bicromáticos, cambios de forma y tamaño, combinación y repetición de formas y figuras, entre otros recursos ópticos. Usa también figuras geométricas simples, como rectángulos, triángulos y circunferencias en tramados, combinaciones o formaciones complejas; en muchos casos el observador participa activamente moviéndose o desplazándose para poder captar el efecto óptico completamente; se usa el acrílico para obtener superficies lisas, limpias y muy bien definidas; el artista del Op-Art no pretende plasmar en su obra sensaciones o situaciones, no existe ningún aspecto emocional en la obra.

Entre los artistas más destacados podemos encontrar a Victor Vasarely, Bridget Riley y Frank Stella.

Breve reseña de Victor Vasarely:

Pintor nacido en 1908 en Hungría. Se empeñó en incorporar la dimensión temporal a la forma plástica, camino iniciado ya por los futuristas y Duchamp. Su pintura se basa en el rigor científico y combina las leyes de la física y el conocimiento de la geometría, junto a las cualidades perceptivas del color y su influencia en la percepción visual. Su obra no se basó tanto en la belleza de las formas como en la sorpresa visual que producen, motivada por el engaño perceptivo.

Entre 1927 y 1929 estudió en la Academia Poldini-Volkman de Budapest y en 1930 se instaló en París, donde trabajó como creador gráfico para agencias de publicidad. Tras un período de expresión figurativa, opta por un arte abstracto constructivo y geométrico, interesándose por la perspectiva sin puntos de fuga.

Entre 1936 y 1948 participa regularmente en el Salón de los Surindependientes y en el Salón de las Nuevas Realidades. A partir de 1948 expone habitualmente en la galería Denise René. En los años cincuenta introduce nuevos materiales en su trabajo (aluminio, cristal) y comienza a realizar obras de integración con el espacio, como Homenaje a Malevich. En los años sesenta participa en numerosas exposiciones colectivas, como The Responsive Eye del Museo de Arte Moderno de Nueva York, así como individuales en Europa y América.

Recibe el Premio Internacional Guggenheim en 1964 y el Gran Premio de la Bienal de Sao Paulo en 1965. En estos años realiza obras bidimensionales que sugieren visualmente el movimiento y obras tridimensionales que requieren el desplazamiento del espectador para producir el efecto cinético. A finales de los años sesenta recibe nuevos reconocimeintos a su trabajo, como el Premio de Pintura del Instituto Carnegie de Pittsburg. Participa, entre otras, en la exposición titulada Lumière et Mouvement en el Museo de Arte Moderno de París en 1967. En 1970 se inaugura el Museo Didáctico Vasarely en el castillo de Gordes en Vaucluse y en 1976 se inaugura la Fundación Vasarely en Aix-en-Provence.

Vasarely fallece el 15 de marzo de 1997.

Descripción de la obra “Triond”:

El tema de esta obra representa cuadrados de diferentes graduaciones de color rojo, verde, azul y que conforman en nuestras retinas 3 esferas-ilusiones ópticas-que parecen moverse en el espacio. Las líneas bien definidas al entrecruzarse conforman los cuadrados y rectángulos, y el contraste entre diferentes tonalidades de azul, verde y rojo crean la sensación óptica de tridimensionalidad y recuerdan formas esféricas.
La esfera como tal no existe en el cuadro, aunque es automáticamente evocada. El espectador percibe las mínimas variaciones introducidas en cada uno de los cuadrados que conforman las esferas y las interpreta de acuerdo con los mecanismos de la percepción y de la memoria.
Mediante la aplicación de trucos ópticos, el observador percibe una obra plana como si fuese tridimensional y, si observa los límites de las esferas experimenta la sensación de movimiento.
La técnica para crear estas variaciones se basa en la progresión aritmética. Vasarely partía de un conjunto de figuras geométricas y calculaba por ordenador una serie de progresiones que hacían evolucionar las figuras originales para que produciesen el efecto óptico buscado.

Fuentes:

http://my.opera.com/arte_optico/blog/2007/11/20/definicion-del-arte-optico-op-art

http://www.conexioncentral.com/blog/2009/11/06/el-op-art-victor-vasarely/

http://aquileana.wordpress.com/2007/10/03/victor-vasarely/

http://www.xtec.cat/~jarrimad/contemp/triond.html

Arte Pop

Arte Pop:

Fue un movimiento artístico surgido a finales de los años 1950 en Inglaterra y los Estados Unidos; sus características son el empleo de imágenes y temas tomados del mundo de la comunicación de masas aplicados a las artes visuales.
Subraya el valor iconográfico de la sociedad de consumo. Se lo considera como la manifestación plástica de una cultura (pop) caracterizada por la tecnología, el capitalismo, la moda y el consumismo, donde los objetos dejan de ser únicos para ser pensados como productos en serie.
En este tipo de cultura también el arte deja de ser único y se convierte en una adicción.
Los orígenes del Pop se encuentran en el dadaísmo y en su desprecio por el objeto, sin embargo el pop descarga de la obra toda la filosofía anti-arte de Dadá y encuentra una vía para construir a partir de imágenes tomadas de la vida cotidiana al igual que Duchamp había hecho con sus ready- mades. En cuanto a las técnicas también toma del dadaísmo el uso del collage y del fotomontaje. Este movimiento utiliza la seriegrafía como técnica de yuxtaposición de diferentes elementos ya sea cera, óleo, pintura plástica, etc. Se emplea el uso de colores vivos, chillones y provocadores, contornos claros y ausencia de mensajes implícitos.
Los temas, formas y los medios del Pop Art muestran los rasgos esenciales que asociamos con el ambiente cultural de los años sesenta y el estado de ánimo de la gente.
Sus más memorables representantes fueron Andy Warhol, Roy Lichtenstein, Claes Oldenburg, James Rosenquist, Tom Wesselmann y Robert Indiana.

Breve reseña de Andy Warhol:

Andy nació en 1928 en Pittsburgh. Artista plástico estadounidense. Hijo de emigrantes checos, inició sus estudios de arte en el Instituto Carnegie de Tecnología, entre 1945 y 1949. En este último año, ya establecido en Nueva York, comenzó su carrera como dibujante publicitario para diversas revistas como Vogue, Harper´s Bazaar, Seventeen y The New Yorker.

Al mismo tiempo pintó lienzos cuya temática se basaba en algún elemento o imagen del entorno cotidiano, de la publicidad o el cómic. Pronto comenzó a exponer en diversas galerías. Eliminó progresivamente de sus trabajos cualquier rasgo expresionista hasta reducir la obra a una repetición seriada de un elemento popular procedente de la cultura de masas, el mundo del consumo o los medios de comunicación.

Dicha evolución alcanzó su cuota máxima de despersonalización en 1962, cuando pasó a utilizar como método de trabajo un proceso mecánico de serigrafía, mediante el cual reproducía sistemáticamente mitos de la sociedad contemporánea y cuyos ejemplos más representativos son las series dedicadas a Marilyn Monroe, Elvis Presley, Elizabeth Taylor o Mao Tse-tung, así como su célebre tratamiento de las latas de sopa Campbell, obras todas ellas realizadas durante la fructífera década de 1960.

El uso de imágenes de difusión masiva, fácilmente reconocibles por todo tipo de públicos, como las ya mencionadas latas de sopa o los botellines de Coca-Cola, se convierte en uno de los rasgos más interesantes y estables de toda su producción. En otras ocasiones, plasmó crudamente situaciones reales, como accidentes, luchas callejeras, funerales o suicidios.

Se caracterizan las obras de esta época por su libérrima manipulación y la polémica que suscitaron en su momento. Tanto por el uso del color, unas veces monocromo y otras fuertemente contrastado, pero en todo caso vivo y brillante, como por la temática, su obra resulta siempre provocadora y, a menudo, angustiosa. En 1963 creó la Factory, taller en el que se reunieron en torno a él numerosos personajes de la cultura underground neoyorquina. En ese mismo año, inició una carrera cinematográfica basada en los mismos principios que su obra plástica (como la reiteración visual), de fuerte contenido sexual y erótico: Empire, Kiss, Chelsea girls. En una última etapa retornó a un formato más tradicional y rodó The love y Women in revolt.

Warhol fallece el 22 de febrero de 1987.

Descripción de la obra “Campbell’s Soup Cans”:

Consiste en treinta y dos lienzos con una pintura de una lata de sopa Campbell (cada una de las variedades de sopa enlatada).

La lata de sopa Campbell es una de las imágenes más reconocidas por cualquier Americano.

El envase es presentado frontalmente para que sea bien visible el logotipo de su empresa. La obra sugiere una uniformidad mecánica que se repite en los miles de casas que tienen un objeto similar, una representación banal y cotidiana del espíritu de nuestro tiempo. La apariencia similar al dibujo de reproducciones publicitarias, incluso de apariencias fotográficas no molestan al pintor, que pretende provocar e incluso ridiculizar la sociedad de consumo americana.

Fuentes:

http://www.artelino.com/articles/andy_warhol.asp

http://www.xtec.cat/~jarrimad/contemp/campbell.html

Surrealismo

Surrealismo:

Este movimiento comienza en 1924 en París con la publicación del "Manifiesto Surrealista" de André Breton (fue un poeta y crítico francés, líder del movimiento surrealista.), quien estimaba que la situación histórica de posguerra exigía un arte nuevo que indagara en lo más profundo del ser humano para comprender al hombre en su totalidad. Siendo conocedor de Freud pensó en la posibilidad que ofrecía el psicoanálisis como método de creación artística.
Para los surrealistas la obra nace del automatismo puro, es decir, cualquier forma de expresión en la que la mente no ejerza ningún tipo de control. Intentan plasmar por medio de formas abstractas o figurativas simbólicas las imágenes de la realidad más profunda del ser humano, el subconsciente y el mundo de los sueños. Para lo que utilizan recursos como: animación de lo inanimado, aislamiento de fragmentos anatómicos, elementos incongruentes, metamorfosis, máquinas fantásticas, relaciones entre desnudos y maquinaria, evocación del caos, representación de autómatas, de espasmos y de perspectivas vacías. El pensamiento oculto y prohibido será una fuente de inspiración; en el erotismo descubren realidades oníricas, y el sexo será tratado de forma impúdica.
Se interesaron además por el arte de los pueblos primitivos, el arte de los niños y de los dementes. Preferirán los títulos largos, equívocos, misteriosos, lo que significa que importaba más el asunto que la propia realización.

Sus más memorables representantes fueron Salvador Dalí, Max Ernst, René Magritte, Giorgio de Chirico, Marc Chagall, Paul Delvaux.

Breve reseña de Salvador Dalí:

Se considera al pintor español, el principal exponente del surrealismo.
Nació en Figueres, Girona, el 11 de mayo de 1904. En 1921 ingresó en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando (Madrid), de donde fue expulsado en 1926. En esa época vivió en la Residencia de Estudiantes de Madrid. En 1929, instalado en París, donde conoció a Pablo Picasso, se adhiere al surrealismo, aunque los miembros principales del movimiento expulsarían finalmente a Dalí por sus tendencias políticas derechistas. La producción de Dalí de este período se basa en su método paranoico-crítico, inspirado en buena parte en las teorías de Freud, representación de imágenes oníricas y objetos cotidianos en formas compositivas insospechadas y sorprendentes, como los relojes blandos de La persistencia de la memoria. Dalí se trasladó a Estados Unidos en 1940, donde permaneció hasta 1948. Sus últimas obras, a menudo de contenido religioso, se realizan en un estilo más clásico, entre ellas cabe citar la Crucifixión (1954, Metropolitan Museum, Nueva York) y La Última Cena (1955, Galería Nacional de Washington). La técnica pictórica de Dalí se caracteriza por un dibujo meticuloso, una minuciosidad casi fotográfica en el tratamiento de los detalles, con un colorido muy brillante y luminoso. Dalí realizó varias películas surrealistas en colaboración con Buñuel como El perro andaluz (1928) y La edad de oro (1930), libros ilustrados, diseños de joyería así como escenografías y vestuarios teatrales. También escribió libros autobiográficos como La vida secreta de Salvador Dalí (1942) y Diario de un genio (1965). Fue miembro de la Academia Francesa de Bellas Artes desde 1979. Murió el 23 de enero de 1989 en Figueres.

Descripción de la obra “La persistencia de la memoria”:

La persistencia de la memoria es un óleo realizado por Dalí en 1931 y pertenece al estilo surrealista.
La obra representa un paisaje onírico, de grandes espacios dilatados, en el que los elementos se asocian de forma insólita. En primer plano a la izquierda, se observa un bloque probablemente de madera, que hace las funciones de una mesa, sobre el que se disponen dos relojes y un árbol incompleto, con una sola rama y sin hojas. El reloj más grande es blando, tiene una mosca sobre él y cae, escurriéndose por el borde de la mesa. El pequeño, parece un reloj de bolsillo cerrado y las hormigas se mueven sobre él.
Pende del árbol un tercer reloj, también blando. En el centro de la obra aparece una extraña figura que simula una cabeza blanda, cuyo cuello se diluye en la oscuridad. Llama la atención la enorme nariz, la especie de lengua que sale de ella y el ojo cerrado
con largas pestañas. La figura parece dormir sobre la arena. El artista ha colocado sobre esta figura un cuarto reloj, igualmente blando y que también parece derretirse o escurrirse.
Los elementos anteriormente descritos se ambientan en lo que parece una playa desierta, con el mar y una cala rodeada de acantilados al fondo. El cielo y el mar se confunden.
La técnica de Dalí es precisa. El dibujo es académico, de líneas puras. Los objetos se pintan con detalle, aunque no son reales.

El artista utiliza un color brillante y luminoso en el que contrastan con fuerza los tonos cálidos con los fríos. La luz desempeña un poderoso papel y contribuye a configurar una atmósfera onírica y delirante.

El cuadro parece quedar dividido en una parte (al fondo y a la izquierda) de enorme luminosidad y otra (primer plano a la derecha) de sombra.
Respecto al esquema compositivo, predomina la horizontalidad, sólo interrumpida por la verticalidad que marca el tronco del árbol y por las líneas curvas de los relojes y de la figura central, que parecen haber sido introducidas para proporcionar un lento movimiento a la quietud de esta playa.
El método empleado en la configuración de esta obra es lo que el propio autor denominó críticoparanoico, que significaba “un sistema espontáneo de conocimiento irracional basado en los fenómenos del delirio”. Con este método, Dalí suspende conscientemente el control de la razón para pintar y dar salida a sus sueños, sus obsesiones y sus delirios.

Fuentes:

http://www.arteespana.com/surrealismo.htm

http://www.3d-dali.com/Tour/persistencia.htm

http://www.epdlp.com/pintor.php?id=224

Dadaísmo

Dadaísmo:

Movimiento de rebelión que surge entre 1916 y 1922 en Europa y Norteamérica. Se manifiesta como un revulsivo frente a la demencia general de la humanidad enfrascada en la Primera Guerra Mundial.
El dadaísmo está violentamente opuesto a la tradición, al arte y a la sociedad establecida. Pretendía escandalizar a la opinión pública acentuando lo absurdo. Se proponía combatir, desde posturas intuitivas e irracionales, el arte y la cultura de la sociedad que había hecho posible la Guerra Mundial. Tras haber subrayado con un anticonformismo que rozaba el escándalo su voluntad de someter a crítica toda clase de arte, el movimiento agotó su impulso original, desembocando en formas de puro nihilismo artístico.
Este movimiento es una expresión irónico-satírica de los valores artísticos establecidos por la tradición y también por la vanguardia fauvista y expresionista (actitud anti-arte).
Se integran técnicas distintas con empleo de fragmentos de materiales (collage y décollage) y objetos de desecho cotidiano.
Además, niega el arte, despreciando lo retórico y academicista y cualquier canon impuesto. Protesta contra todo convencionalismo volviendo a lo instintivo e irracional (lo absurdo, el sinsentido y el azar establecen la identidad entre el arte y la vida).
Se observa una liberación del subconsciente (se produce una transición al surrealismo y al arte semi-abstracto).
Se encuentran motivaciones de disociación y se basa en un auge del disparate.
En este movimiento, todas las cosas de la realidad pueden ser objeto artístico.
Se ve una temática en la que predominan los mecanismos absurdos ("antimecanismos" que desarrollan una visión irónica de la máquina, de las cualidades a ella asimiladas y de la creciente importancia de lo mecánico en la sociedad moderna de la época).
Hay utilización de nuevas técnicas como el fotomontaje, variantes nuevas del collage introducida por R. Hausmann, realizado a base de imágenes multiplicadas y superpuestas, tomadas de periódicos, revistas y anuncios y el "merz" o collage dadaísta (desarrollado por K. Schwitters) a base de materiales de desecho de todo tipo y estado.
Entre los artistas más destacados podemos encontrar a Francis Picabia, Marcel Duchamp, Hans Arp, Hans Richter, Marcel Janco, Viking Eggeling, Christian Schad, Sophie Taeuber. 

Breve reseña de Marcel Duchamp:

Nace en Blainville (Francia) en 1887. Artista francés nacionalizado estadounidense. El más joven de seis hermanos, cuatro de los cuales seguirían así mismo la carrera artística (de ellos fueron especialmente notorios los dos mayores, Jacques y Raymond), recaló en París a la edad de diecisiete años. En su faceta como pintor, que hubo de simultanear con el trabajo de caricaturista, pasó rápidamente por todas las tendencias artísticas en boga –impresionismo, postimpresionismo, fauvismo, cubismo– sin comprometerse con ninguna; este afán experimentador e inquieto iba a ser una de las constantes de su fecunda trayectoria. En 1912 presentó su Desnudo bajando una escalera, n. º 2, obra personalísima en la que aunó elementos cubistas con futuristas y sus propias inquietudes sobre la representación del movimiento. La pintura fue rechazada por el Salón de los Independientes y tuvo que esperar un año para ser expuesta, esta vez en el Armory Show de Nueva York, donde fue recibida con tanto entusiasmo como sorpresa. Tras realizar unos pocos cuadros más, abandonó la pintura, en lo que iba a ser un giro permanente en su trayectoria. En 1913 inició los estudios preparatorios para la obra El gran vidrio, o la novia desnudada por sus pretendientes, una especie de síntesis entre pintura y escultura de radical originalidad. Durante esa misma época realizó sus primeros ready-made, esto es, objetos cualesquiera sometidos a muy escasa y en ocasiones nula alteración material, elevados a la categoría de arte por la mera voluntad del artista. Uno de ellos, un orinal firmado con seudónimo que tituló Fuente, constituye uno de los iconos más significativos del arte del siglo XX. En 1917 se reencontró en Nueva York con su amigo Francis Picabia, al que secundó en su tarea de dar a conocer el movimiento dadá en Estados Unidos, para lo cual participó en la creación de revistas adscritas al movimiento como 291 o El ciego. Durante buena parte de las décadas de 1920 y 1930 abandonó la práctica artística por la semiprofesional del ajedrez, juego del que llegó a ser un moderado experto. Desde 1934 estableció fuertes lazos con el movimiento surrealista, especialmente con Breton, que en 1935 publicó el primer estudio concienzudo de su obra. Poco a poco, Duchamp fue recluyéndose en el anonimato con la única compañía de su esposa, Teeny Sattler, con quien había contraído matrimonio en 1954. Falleció el 2 de octubre de 1968.

Descripción de la obra “Desnudo bajando una escalera”:

Desnudo bajando una escalera muestra una figura humana en movimiento, en un estilo inspirado en las ideas sobre la deconstrucción cubista de las formas. No hay nada en ella que parece una anatomía desnuda, sólo líneas abstractas y aviones. Las líneas indican sus posiciones sucesivas estáticas y crean un sentido rítmico de los movimientos; los planos y las sombras dan profundidad y volumen a su forma. 

Es de destacar que fue una de las pinturas más audaces e inteligentes del siglo XX. Los desnudos bajando de una escalera son íconos a medio camino entre el cubismo, el futurismo y el dadaísmo, en lo que la multiplicación de puntos de vista sugiere una sensación de movimiento nunca vista hasta entonces. 

Fuentes:

http://www.epdlp.com/cuadro.php?id=306

http://www.artehistoria.jcyl.es/v2/obras/12348.htm

http://www.wikipedia.org/

Arte Abstracto

Arte abstracto:

Este movimiento surge alrededor de 1910 en Alemania, Holanda y Rusia, como reacción al realismo, e influido por la aparición de la fotografía que provocó la crisis del arte figurativo, siendo una de las manifestaciones más significativas del arte del siglo XX.

En cuanto a la temática, la obra de arte se convierte en una realidad autónoma, sin conexión con la naturaleza y, como consecuencia, ya no representa hombres, paisajes, flores, sino simplemente combinaciones de colores que intentan expresar la necesidad interior. 

Con respecto a la técnica utilizada, se trabaja con formas irregulares y con una gran gama cromática; a los artistas les importa la mancha de color y la expresión. 

El arte abstracto usa un lenguaje visual de forma, color, línea para crear una composición que puede existir con independencia de referencias visuales del mundo real.

Sus más memorables representantes fueron Wassily Kandinsky, Piet Mondrian, Kazimir Severínovich Malévich, Paul Klee y Jackson Pollock.

Breve reseña de Wassily Kandinsky:                                               

Nació el 4 de diciembre de 1866 en Moscú, Rusia. Kandinsky compaginó sus estudios de derecho y economía con clases de dibujo y pintura. Al tiempo que se interesaba por la cultura primitiva y las manifestaciones artísticas populares rusas, muy especialmente por el arte propio de la región de Volodga, rico en ornamentos, también descubrió la obra de Rembrandt y Monet.

Cuando cumplió los treinta años, Kandinsky abandonó la docencia y fue a estudiar pintura a Munich, renunciando a un porvenir académico ya consolidado. En esta ciudad asistió a las clases de F. Stuck y en ellas conoció a Paul Klee, con el que mantendría una sincera y prolongada amistad. Su interés por el color está presente desde el comienzo de su carrera, y se puede apreciar en sus primeras pinturas la influencia del postimpresionismo, el fauvismo y el Jugendstil alemán.

Entre 1910 y 1914 Kandinsky pintó numerosas obras que agrupó en tres categorías: las impresiones, inspiradas en la naturaleza; las improvisaciones, expresión de emociones interiores; y las composiciones, que aunaban lo intuitivo con el más exigente rigor compositivo. Estos cuadros se caracterizan por la articulación de gruesas líneas negras con vivos colores y en ellos se percibe todavía un poco la presencia de la realidad.

En 1911 fundó junto a Franz Marc y August Macke el grupo Der Blaue Reiter, organizando diversas exposiciones en Berlín y Munich.

Al estallar la Primera Guerra Mundial, Kandinsky volvió a Moscú y allí emprendió varias actividades organizativas en el marco del Departamento de Bellas Artes del Comisariado Popular de la Educación. En 1917 se casó con Nina Andreievsky y cuatro años más tarde se trasladó con ella a Alemania para incorporarse a la Bauhaus en la primera etapa de Weimar, donde continuaría como profesor hasta poco antes de su disolución.

La influencia del entorno de la Bauhaus se dejó sentir, y su obra experimentó una transición hacia una mayor estructuración, tanto compositiva como formal, que se ha dado en llamar el período arquitectural de su pintura, al cual siguió otro de transición en que experimentó con los trazos circulares y concéntricos (Círculos, 1926). También escribió manifiestos para la Bauhaus y publicó el libro Punto y línea sobre el plano. En 1933, clausurada la Bauhaus por los nazis, el pintor se instaló en Francia. En esta última etapa de su vida continuó en su particular búsqueda de formas inventadas, que plasmó por medio de colores combinados de manera compleja e inspirándose en signos geométricos y en motivos decorativos eslavos, como hiciera ya al comienzo de su trayectoria pictórica.

Kandinsky fallece el 13 de diciembre de 1944 en Neuilly-sur-Seine.

Descripción de la obra “Composición VII”:

Wassily Kandinsky se preparó durante meses desarrollando diversas ideas pictóricas en dibujos, grabados, acuarelas y óleos. Con las ideas más o menos claras, encargó un bastidor de 2 x 3 metros y entre el 26 y el 29 de noviembre de 1913, en poco menos de cuatro días obró el milagro. Realizó una pintura a la que tituló “Composición VII”, la séptima de sus únicas diez composiciones. Las partes del cuadro están dispuestas con trazos oscuros o bases planas de color blanco. Parece ser que el punto de partida del pintor fue la estructura gráfica de fondo.
En el margen inferior izquierdo vemos aún el único signo claramente legible en el contexto kandiskiano que remite a una barca de remos, muy usado por él. Además también hallamos restos de objetos ocultos pertenecientes a los ciclos temáticos del diluvio, el juicio final y la resurrección. Kandinsky definió a esta pintura como no figurativa, sin partir de ningún tema ni de formas de origen corporal.
En la versión definitiva llaman la atención las superficies legibles de los elementos pictóricos y gráficos que son individuales; separación consecuente que Kandinsky venía practicando desde 1911 como una característica incontestable en el camino de la abstracción.
Los contornos que rodean los objetos se independizan en la pintura en forma de elementos gráficos propios. Asimismo, la superficie cromática liberada de tal modo se convierte en una mancha de color, pues el color se distribuye dinámicamente hacia todos lados, en vez de ser retenido por la línea rígida y permanecer atado al objeto.

Fuentes:

http://es.wikipedia.org/wiki/Wassily_Kandinski

http://laschicasdeloleo.wordpress.com/page/3/

http://www.epdlp.com/pintor.php?id=280

Futurismo

Futurismo:

El Futurismo es un movimiento artístico que surge en Italia en el primer decenio del siglo XX mientras el Cubismo aparece en Francia. Gira en torno a la figura de Marinetti, quien publica en el periódico parisiense Le Figaro el 20 de Febrero de 1909 el Manifiesto Futurista. Proclama el rechazo frontal al pasado y a la tradición, defendiendo un arte anticlasicista orientado al futuro, que respondiese en sus formas expresivas al espíritu dinámico de la técnica moderna y de la sociedad masificada de las grandes ciudades.
La característica principal del futurismo es la plástica del dinamismo y del movimiento. El efecto de la dinámica se transmitía en vibrantes composiciones de color que debían producir un paralelismo multisensorial de espacio, tiempo y sonido. Al principio, se valieron para la realización de sus objetivos artísticos de la técnica divisionista, heredada del neoimpresionismo y más tarde se aplicó la técnica cubista de abstracción, como procedimiento para desmaterializar los objetos. A partir de estas premisas, la representación del movimiento se basó en el simultaneismo, es decir, multiplicación de las posiciones de un mismo cuerpo, plasmación de las líneas de fuerza, intensificación de la acción mediante la repetición y la yuxtaposición del anverso y del reverso de la figura.

Entre los artistas más destacados podemos encontrar a Umberto Boccioni, Carlos Carrà, Luigi Russolo, Gino Severini, Filippo Tommaso Marinetti.

Breve reseña de Umberto Boccioni:

Nació el 19 de octubre de 1882 en Regio de Calabria. Fue un pintor y escultor italiano, teórico y principal exponente del movimiento futurista.

Tras su llegada a Milán y su encuentro con los divisionistas y con Filippo Tommaso Marinetti, escribió, junto con Carlo Carrà, Luigi Russolo, Giacomo Balla y Gino Severini, elManifiesto de los pintores futuristas (1910), al cual siguió el Manifiesto técnico del movimiento futurista (1910). Según dichos manifiestos, el artista moderno debía liberarse de los modelos y las tradiciones figurativas del pasado, para centrarse únicamente en el mundo contemporáneo, dinámico y en continua evolución. Como temas artísticos proponían la ciudad, los automóviles y la caótica realidad cotidiana.

En sus obras, Boccioni supo expresar magistralmente el movimiento de las formas y la concreción de la materia.

Aunque influenciado por el cubismo, al que reprochaba su estatismo excesivo, Boccioni evitó siempre en sus cuadros la línea recta y utilizó los colores complementarios para crear un efecto de vibración. En cuadros como Dinamismo de un ciclista (Dinamismo di un ciclista, 1913), o Dinamismo de un jugador de fútbol (Dinamismo di un giocatore di calcio, 1911), las representaciones de un mismo tema en estadios temporales sucesivos sugieren eficazmente la idea del movimiento en el espacio.

Un intento similar domina también su escultura, en la cual despreció a menudo los materiales nobles, como el mármol o el bronce, prefiriendo la madera, el hierro o el cristal. Lo que le interesaba era mostrar la interacción de un objeto en movimiento con el espacio circundante.

Entre sus obras pictóricas más relevantes destacan “Tumulto en la galería”, “Estados de la mente n. 1. Las despedidas”, en la cual los estados de ánimo se expresan mediante relámpagos de luz, espirales y líneas onduladas dispuestas diagonalmente, y “Forze di una strada”, donde la ciudad, casi un organismo vivo, tiene mayor importancia que las presencias humanas.

Umberto Boccioni fallece el 17 de agosto de 1916 en Verona.

Descripción de la obra “Formas únicas de la continuidad del espacio”:

Formas únicas de la continuidad del espacio no pretende representar un cuerpo según una concepción realista, sino transmitir la acción de dicho cuerpo a partir del estudio de la musculatura y el movimiento humanos. La extensión de las extremidades de este prototipo crea en el espectador la sensación de encontrarse ante una obra dinámica. Otra fuente del artista fue el cubismo, del que aprovechó la representación simultánea de diversos lados de un mismo elemento para conseguir la deseada sensación de desplazamiento. La pasión de los futuristas por el movimiento llevó a Filippo Tommaso Marinetti, ideólogo del grupo, a declarar que un coche de carreras es más bello que la Victoria de Samotracia, escultura con la que, paradójicamente, se compara hoy esta obra.

Fuentes:

http://es.wikipedia.org/wiki/Futurismo

http://www.epdlp.com/pintor.php?id=195

http://www.biografiasyvidas.com/biografia/b/boccioni.htm