Postimpresionismo

Postimpresionismo:

Este término se aplica a los estilos pictóricos de finales del siglo XIX y principios del XX posteriores al impresionismo.

Se pintaban temas de la vida real, pero intentando llevar más emoción y expresión. Este movimiento reacciona contra el deseo de reflejar fielmente la naturaleza y presentar una visión muy subjetiva del mundo. Es decir, que su principal diferencia fue que no se  expresa la realidad, sino que se muestra la propia visión de ella.
Los postimpresionistas utilizaron colores vivos, una aplicación compacta de la pintura y pinceladas distinguibles. Basaron sus obras en el uso del color experimentado por los impresionistas, reaccionando contra el deseo de reflejar fielmente la naturaleza, y representando una visión más subjetiva del mundo.

Roger Fry, un crítico británico, en 1910, acuñó el nombre "Postimpresionismo", cuando se montó en Londres una exposición de pinturas de Paul Cézanne, Paul Gauguin y Vincent Van Gogh. Sus obras se caracterizaron por el uso expresivo del color.
Cézanne, por su parte, se interesó por resaltar las cualidades materiales de la pintura, retratando seres vivos y paisajes, volúmenes y superficies. Gauguin se centró en la representación, a base de superficies planas y decorativas, como se puede apreciar en la obra "Calvario bretón". Van Gogh utilizó, para acercarse a la naturaleza, vigorosas pinceladas coloristas, que evocaban sus emociones. Toulouse-Lautrec, otro postimpresionista, fue influido por las composiciones lineales de los grabados japoneses, y su obra se caracterizó por los grabados de contorno y colores planos.
Este movimiento tiene como principales propósitos el retorno hacia una concepción más formal del arte, y un nuevo énfasis en el tema. De ahí que Fry pudiera afirmar que el rasgo distintivo del Postimpresionismo "es el espíritu marcadamente clásico de las obras". El Postimpresionismo, como el Impresionismo, no fue un movimiento de manifiestos ni de doctrinas, lo cual unido a la fuerte individualidad de los artistas cobijados por el término, hace bastante vaga y elusiva la definición de los principios de este movimiento.

Sus más memorables representantes fueron Paul Cézanne, Paul Gauguin y Vincent Van Gogh.

Breve reseña de Vincent Van Gogh:

El famoso artista llamado Vincent Van Gogh nació el día 30 de marzo de 1853 en Zundert, Holanda.
Este hombre desde su infancia fue muy temperamental, lamentablemente siempre buscó la muerte, pero a través de la vida. Despertó su afición por la pintura desde la escuela, ya que si bien no era buen estudiante su dedicación la destinaba de lleno a la pintura. Aunque en esa época sus maestros le dijeron que no llegaría a ser profesional debido a que no sabía pintar, Vincent nunca se rindió a su deseo, y se preparó con algunos parientes expertos en el tema.
Al regresar de aquella especie de preparatoria, Vincent se obsesiona con La Biblia y despierta en él un deseo por convertirse en teólogo, para lo que estudia en la Universidad de Leiden. Y debido a estos deseos, se quiso someter como misionero, a lo que fue numerosas veces rechazado por su escasez de idiomas, hasta que le llega la oportunidad y parte como tal hacia las minas de Borinage, en Bélgica. Y allí permaneció durante un año y meses hasta quedarse prácticamente sin nada, abstraído en la religión, lo que le causaba temor.
Luego de un tiempo, convencido por sus mismos ideales, se dirige a Londres con el objetivo de montar un hospicio para niños junto con un pastor inglés, que le reportaría un pequeño beneficio. Frente a un cambio rotundo de actitud, decide alejarse de este ambiente y se marcha a La Haya, donde conoce a Sien, una prostituta de la cual se compadece y acaba siendo su musa. Pero lamentablemente es de ella que no sólo obtiene inspiración, sino que sería ella quien le contagiaría gonorrea y la sífilis.
Ya recuperado, Vincent descubre que solo es un ser sano cuando pinta, por lo que decide retomar a la misma, y en el año 1880 comienza una nueva etapa, en la que pinta de forma regular y comienza con retratos de campesinos, destacándose de entre ellas “Los comedores de patata”.
Y en algunos años, se encontraría mudándose con su hermano a París; allí no solo entabla amistades con sus pares, sino que también conoce a Émile Bernard y a Henri de Toulouse-Lautrec, haciéndose gran amigo de ellos. Al poco tiempo, crea un taller de artistas en su casa, llamado la casa amarilla, el color favorito de Vincent, pero con un tanto de suerte el único que se acerca fue Paul Gauguin, quien recibió un cuadro de bienvenida llamado "La Habitación". Trabajaron durante años juntos, pero los desordenes mentales de Vincent no permitieron que dure lo suficiente, tal es así que no solo intentó atentarlo a Gauguin, sino que éste fue quien encuentra a Van Gogh sangrante tras haberse amputado una oreja, que quiso regalarle.

Sus últimos años se marcaron por sus permanentes problemas mentales, que lo llevaron a recluirse en sanatorios mentales de forma voluntaria. En uno de los sanatorios frecuentado, el sanatorio de Saint-Rémy-de-Provence, se le habilita una habitación para que siga pintando, y aquí comienza su frenética vida artística en donde se inspira en Rembrandt, y así fue como Vincent durante los últimos treinta meses de vida llegó a realizar 500 obras y en sus últimos 69 días firmó hasta 79 cuadros.
Finalmente, el día 27 de julio llega su triste final, cuando Van Gogh sale a caminar por el campo se dispara con un arma de fuego en el pecho, y regresa a su habitación para morir dos días después, dejando inacabado el cuadro llamado "Los Cuervos".
Este artista famoso fue quien produjo todo su trabajo, estimado en unas 900 pinturas y 1100 dibujos, durante un período de solamente 10 años, siendo su influencia en el expresionismo, fauvismo y los principios del abstraccionismo enorme. Actualmente,  varias de sus obras, figuran entre las pinturas más caras del mundo.

Vincent Van Gogh fallece el 29 de julio de 1890 en Francia.

Descripción de la obra “La noche estrellada”:

En Noche estrellada (1889) se puede apreciar el universo de Van Gogh, con estrellas que estallan y proporcionan una gran sensación de movimiento. Se aprecia aquí lo místico y lo sobrenatural que da cuenta de una experiencia más allá de los sentidos, en que el artista va poniendo en la tela la visión que tiene ante sus ojos, y lo ejecuta situando trabajadas y gruesas pinceladas. Noche estrellada es, al mismo tiempo, una visión íntima y un paisaje. Hay una quieta aldea en el valle en que destaca una iglesia, y en el cielo aparecen planetas y estrellas en unos estallidos apocalípticos próximos al Juicio Final. Van Gogh pintó este cuadro en el Sanatorio de Saint Rémy después de sufrir una crisis mental.

La Noche Estrellada tiene como tema principal el conflicto entre religión (iglesia) y naturaleza.

En esta obra el mundo se cierne amenazador sobre el artista. Es una visión apocalíptica donde las nebulosas, las estrellas, el sol, todo es arrastrado por un pavoroso frenesí, que arrebata también a la ondulada silueta del ciprés.

El autor quiso pintar la Noche Estrellada como un ejemplo del extraordinario trabajo de su portento e imaginación. En este lienzo intervino de forma especial la influencia de Gaugin y Bernard. El estilo gráfico adoptado por Van Gogh así lo ha hecho pensar. Su elección del tema de la noche no fue fortuita y con ello intentó imprimir un mayor dinamismo a la escena de la representación con trazos gruesos y firmes con la intención de acrecentar la sensación de movimiento. En definitiva, supone un estudio un tanto diferente sobre la naturaleza.

Los especialistas han señalado que La Noche Estrellada es uno de sus trabajos más importantes aunque Van Gogh no la consideró como su obra cumbre cuando la pintó.

Fuentes:

http://www.alu.ua.es/m/mjbc4/post-impresionismo.html

http://www.colarte.com/clasificacion/Textos/PostImpresionismo.htm

http://www.biografias.es/famosos/vicent-van-gogh.html

http://translate.google.com.ar/translate?hl=es&langpair=en|es&u=http://www.vangoghgallery.com/painting/starryindex.html

http://translate.google.com.ar/translate?hl=es&langpair=en|es&u=http://www.vangoghgallery.com/painting/starryindex.html

Impresionismo

Impresionismo:
El impresionismo supone un nuevo Renacimiento, un momento de esplendor creativo, que cambiará todo el devenir pictórico al instaurar nuevos valores y maneras de hacer y entender el arte. El movimiento impresionista eclosiona en un contexto histórico muy complicado, justo después de la Guerra Franco-Prusiana (1870-1871) y los sucesos de la Comuna de París (1871), acontecimientos que trasformaron la realidad geopolítica de Europa.

Para que quede más en claro, esta vanguardia se desarrolló a partir de la segunda mitad del siglo XIX en Europa-principalmente en Francia-.
Supuso una ruptura radical con el arte más establecido y académico. Sin embargo, realistas, simbolistas y aquellos que estaban más próximos a la academia intentaron asumir, al igual que los impresionistas, el reto que suponía plasmar en sus lienzos la modernidad. Momentáneamente al impresionismo convivieron otros lenguajes que también intentaron una renovación de la pintura.
Partió del desacuerdo con los temas clásicos y con las fórmulas artísticas preconizadas por la Academia Francesa de Bellas Artes. Los impresionistas escogieron la pintura al aire libre y los temas de la vida cotidiana. Su primer objetivo fue conseguir una representación del mundo espontánea y directa, y para ello se centraron en los efectos que produce la luz natural sobre los objetos. Las figuras principales del movimiento fueron: Edgar Degas, Claude Monet, Berthe Morisot, Camille Pissarro, y Auguste Renoir.
Los impresionistas se preocuparon más por captar la incidencia de la luz sobre el objeto que por la exacta representación de sus formas, debido a que la luz tiende a difuminar los contornos y refleja los colores de los objetos circundantes en las zonas de penumbra. Los pintores académicos definían las formas mediante una gradación tonal, utilizando el negro y el marrón para las sombras. Los impresionistas eliminaron los detalles minuciosos y tan sólo sugirieron las formas, empleando para ello los colores primarios (cyan, magenta y amarillo) y los complementarios (naranja, verde y violeta). Consiguieron ofrecer una ilusión de realidad aplicando directamente sobre el lienzo pinceladas de color cortas y yuxtapuestas, que mezcladas por la retina del observador desde una distancia óptima aumentaban la luminosidad mediante el contraste de un color primario (como el magenta) con su complementario (verde). De este modo, los impresionistas lograron una mayor brillantez en sus pinturas que la que se produce normalmente al mezclar los pigmentos antes de aplicarlos.
Los impresionistas evolucionaron hacia distintos estilos individuales y compartieron como grupo sus experimentos sobre el color.

Breve reseña de Claude Monet:

Pintor impresionista francés que llevó a su máxima expresión el estudio de los estados transitorios de la luz natural. Monet nació en París el 14 de noviembre de 1840, aunque pasó la mayor parte de su niñez en Le Havre, donde estudió dibujo en su adolescencia y pintó marinas al aire libre con Eugène Louis Boudin. Hacia 1859 Monet había decidido firmemente comenzar su carrera de artista para lo que pasaba largas temporadas en París. En la década de 1860 se le asoció con el pintor pre-impresionista Édouard Manet y con otros pintores franceses que más tarde formarían la escuela impresionista—Camille Pissarro, Pierre Auguste Renoir y Alfred Sisley. Monet pintaba, trabajando al aire libre, paisajes y escenas de la sociedad burguesa contemporánea, y así comenzó a tener cierto éxito en las exposiciones oficiales. Sin embargo, a medida que su estilo evolucionaba, Monet transgredía con frecuencia los convencionalismos artísticos tradicionales en beneficio de una expresión artística más directa. Sus experimentos al aire libre se hacían cada vez más audaces, buscando la reproducción de la luz del día por medio de una aplicación libre de colores brillantes. De este modo, deliberadamente le dio la espalda a la posibilidad de una carrera exitosa como pintor convencional en la línea del arte oficial. En 1874 Monet y sus colegas decidieron apelar directamente al público mediante la organización de sus propias exposiciones. Se denominaron a sí mismos independientes, aunque la prensa pronto les aplicó burlonamente la etiqueta de impresionistas a causa del aspecto inacabado de sus obras (como una primera impresión) y porque una de las pinturas de Monet llevaba el título Impresión, sol naciente (1872, Museo Marmottan, París). Las composiciones de Monet de este periodo poseen una estructura bastante libre, aplicando el color con cortas y vigorosas pinceladas. Esta técnica viene determinada por la espontaneidad e inmediatez que exige la pintura al aire libre a la hora de captar una impresión de la naturaleza.
Durante las décadas de 1870 y 1880 Monet refinó su técnica poco a poco, realizando viajes a otros escenarios franceses, especialmente a las costas mediterráneas y atlánticas, con el fin de estudiar los efectos de la luz sobre formas y colores. El deshielo de Vétheuil de 1881 (Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid) es un buen ejemplo de la obra de Monet de esta época. A mediados de la década de 1880 Monet, considerado el dirigente de la escuela impresionista, había alcanzado un reconocimiento importante y una buena posición económica. A pesar de la audacia de su colorido y de la extrema simplicidad de sus composiciones, se le valoró como un maestro de la observación meticulosa, un artista que no sacrificó ni las complejidades reales de la naturaleza ni la intensidad de sus propios sentimientos. En 1890 tuvo la posibilidad de adquirir una propiedad en el pueblo de Giverny, cerca de París, y allí comenzó a construir un nuevo jardín (hoy abierto al público) —un estanque con nenúfares atravesado por un puente japonés colgante con sauces y matas de bambú—. En 1906 comienza a pintar las series del estanque con nenúfares que están expuestas en la Orangerie de París, en el Instituto de Arte de Chicago y en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. Durante estos años también trabajó en otras series de pinturas, grupos de obras que representan el mismo tema —álamos, la catedral de Ruán, la estación de Saint-Lazare, el Sena— representando las diferentes luces de las horas del día o en las distintas estaciones del año. Monet continuó pintando, a pesar de que la vista le fallaba, casi hasta el momento de su muerte, ocurrida el 5 de diciembre de 1926 en Giverny.

Descripción de la obra “Impresión, Sol Naciente”:

Impresión, sol naciente fue pintado por Monet durante una breve estancia en El Havre en 1873. El cuadro se presentó al año siguiente en la primera exposición de la Sociedad Anónimade Pintores — muestra alternativa al tradicional Salón que dependía del estado — y que acogía a todos aquellos artistas deseosos de una renovación profunda de las artes. El lienzo motivó que el periodista Louis Leroy escribiera poco después un artículo burlón en el que definía a aquellos pintores como “impresionistas”, término que caracterizó definitivamente al nuevo grupo. La reacción de Leroy fue comprensible porque la pintura de Monet violaba numerosas convenciones artísticas. Ciertamente, la obra parece un esbozo debido a que su pincelada suelta no define lo que representa. La técnica es, en gran medida, el resultado del propósito impresionista de captar un momento fugaz al aire libre. Como ya señalamos, la obra se realizó desde una ventana frente al muelle de El Havre, a través de la cual Monet pintó con brío la ciudad moderna al amanecer para plasmar el panorama antes de que cambiara. El cuadro es una cascada de pinceladas sueltas que dan cierta sensación de instantánea improvisación. Al artista no le interesa el detalle, como así se aprecia en las barcas negras o en los fondos resueltos con nerviosos trazos grises, sino el instante de una escena en concreto. La sensación de movimiento acuoso se consigue de forma magistral mediante la discontinua plasmación de las pinceladas en la superficie y el reflejo anaranjado solar que evita en todo momento una proyección estrictamente lineal. Impresión, sol naciente es una obra calculada que muestra un enorme interés por la llamada teoría del color. Si bien parece que el sol horada la neblina matutina a causa de su intenso color naranja, en realidad posee la misma luminosidad de su entorno. No en vano, en una fotografía en blanco y negro, el sol casi no se distingue y ese mismo efecto fue aprovechado de forma portentosa por Monet. Dadas las implicaciones y posteriores repercusiones que tuvo este cuadro para el desarrollo del impresionismo y sus movimientos derivados, podemos afirmar sin temor a equivocarnos queImpresión, sol naciente, pese a sus reducidas dimensiones y a la aparente sencillez compositiva, es una de las pinturas más importantes de toda la historia del arte occidental.

Para agregar, Monet pintó el sol casi con la misma luminancia del cielo, una condición que sugiere humedad alta y atenuación atmosférica de la luz. Este detalle descansa sobre el uso de colores complementarios y variedad de temperaturas de color, en lugar de cambios de intensidad o valores contrastantes, para diferenciar el sol del cielo circundante. La pintura trata el valor de contraste simultáneo de los colores, situando tonos cálidos sobre otros opuestos que permiten resaltar, en la retina del espectador, unos tonos sobre otros. La vaporización será el elemento fundamental que invade la superficie, destacando esa humedad que invade la obra y que atenúa las tonalidades, es decir, el color se condiciona a esta atmósfera húmeda. El principal objetivo al que intentaba llegar Monet con esta obra es provocar una impresión en el espectador, por lo que nos encontramos con la importancia que se atribuye al espectador en el impresionismo. Las pinceladas son un tanto libres, rápidas y directas, reduciendo los elementos del cuadro a una simplificación aparente, tal y como se contempla en los reflejos del agua.

Fuentes:

http://lostonsite.wordpress.com/2010/03/15/cuando-aparece-un-nuevo-renacimiento/
http://campusdigital.uag.mx/academia/material/monet/estilo_artistico.htm
http://es.wikipedia.org/wiki/Impresi%C3%B3n,_sol_naciente