Dadaísmo

Dadaísmo:

Movimiento de rebelión que surge entre 1916 y 1922 en Europa y Norteamérica. Se manifiesta como un revulsivo frente a la demencia general de la humanidad enfrascada en la Primera Guerra Mundial.
El dadaísmo está violentamente opuesto a la tradición, al arte y a la sociedad establecida. Pretendía escandalizar a la opinión pública acentuando lo absurdo. Se proponía combatir, desde posturas intuitivas e irracionales, el arte y la cultura de la sociedad que había hecho posible la Guerra Mundial. Tras haber subrayado con un anticonformismo que rozaba el escándalo su voluntad de someter a crítica toda clase de arte, el movimiento agotó su impulso original, desembocando en formas de puro nihilismo artístico.
Este movimiento es una expresión irónico-satírica de los valores artísticos establecidos por la tradición y también por la vanguardia fauvista y expresionista (actitud anti-arte).
Se integran técnicas distintas con empleo de fragmentos de materiales (collage y décollage) y objetos de desecho cotidiano.
Además, niega el arte, despreciando lo retórico y academicista y cualquier canon impuesto. Protesta contra todo convencionalismo volviendo a lo instintivo e irracional (lo absurdo, el sinsentido y el azar establecen la identidad entre el arte y la vida).
Se observa una liberación del subconsciente (se produce una transición al surrealismo y al arte semi-abstracto).
Se encuentran motivaciones de disociación y se basa en un auge del disparate.
En este movimiento, todas las cosas de la realidad pueden ser objeto artístico.
Se ve una temática en la que predominan los mecanismos absurdos ("antimecanismos" que desarrollan una visión irónica de la máquina, de las cualidades a ella asimiladas y de la creciente importancia de lo mecánico en la sociedad moderna de la época).
Hay utilización de nuevas técnicas como el fotomontaje, variantes nuevas del collage introducida por R. Hausmann, realizado a base de imágenes multiplicadas y superpuestas, tomadas de periódicos, revistas y anuncios y el "merz" o collage dadaísta (desarrollado por K. Schwitters) a base de materiales de desecho de todo tipo y estado.
Entre los artistas más destacados podemos encontrar a Francis Picabia, Marcel Duchamp, Hans Arp, Hans Richter, Marcel Janco, Viking Eggeling, Christian Schad, Sophie Taeuber. 

Breve reseña de Marcel Duchamp:

Nace en Blainville (Francia) en 1887. Artista francés nacionalizado estadounidense. El más joven de seis hermanos, cuatro de los cuales seguirían así mismo la carrera artística (de ellos fueron especialmente notorios los dos mayores, Jacques y Raymond), recaló en París a la edad de diecisiete años. En su faceta como pintor, que hubo de simultanear con el trabajo de caricaturista, pasó rápidamente por todas las tendencias artísticas en boga –impresionismo, postimpresionismo, fauvismo, cubismo– sin comprometerse con ninguna; este afán experimentador e inquieto iba a ser una de las constantes de su fecunda trayectoria. En 1912 presentó su Desnudo bajando una escalera, n. º 2, obra personalísima en la que aunó elementos cubistas con futuristas y sus propias inquietudes sobre la representación del movimiento. La pintura fue rechazada por el Salón de los Independientes y tuvo que esperar un año para ser expuesta, esta vez en el Armory Show de Nueva York, donde fue recibida con tanto entusiasmo como sorpresa. Tras realizar unos pocos cuadros más, abandonó la pintura, en lo que iba a ser un giro permanente en su trayectoria. En 1913 inició los estudios preparatorios para la obra El gran vidrio, o la novia desnudada por sus pretendientes, una especie de síntesis entre pintura y escultura de radical originalidad. Durante esa misma época realizó sus primeros ready-made, esto es, objetos cualesquiera sometidos a muy escasa y en ocasiones nula alteración material, elevados a la categoría de arte por la mera voluntad del artista. Uno de ellos, un orinal firmado con seudónimo que tituló Fuente, constituye uno de los iconos más significativos del arte del siglo XX. En 1917 se reencontró en Nueva York con su amigo Francis Picabia, al que secundó en su tarea de dar a conocer el movimiento dadá en Estados Unidos, para lo cual participó en la creación de revistas adscritas al movimiento como 291 o El ciego. Durante buena parte de las décadas de 1920 y 1930 abandonó la práctica artística por la semiprofesional del ajedrez, juego del que llegó a ser un moderado experto. Desde 1934 estableció fuertes lazos con el movimiento surrealista, especialmente con Breton, que en 1935 publicó el primer estudio concienzudo de su obra. Poco a poco, Duchamp fue recluyéndose en el anonimato con la única compañía de su esposa, Teeny Sattler, con quien había contraído matrimonio en 1954. Falleció el 2 de octubre de 1968.

Descripción de la obra “Desnudo bajando una escalera”:

Desnudo bajando una escalera muestra una figura humana en movimiento, en un estilo inspirado en las ideas sobre la deconstrucción cubista de las formas. No hay nada en ella que parece una anatomía desnuda, sólo líneas abstractas y aviones. Las líneas indican sus posiciones sucesivas estáticas y crean un sentido rítmico de los movimientos; los planos y las sombras dan profundidad y volumen a su forma. 

Es de destacar que fue una de las pinturas más audaces e inteligentes del siglo XX. Los desnudos bajando de una escalera son íconos a medio camino entre el cubismo, el futurismo y el dadaísmo, en lo que la multiplicación de puntos de vista sugiere una sensación de movimiento nunca vista hasta entonces. 

Fuentes:

http://www.epdlp.com/cuadro.php?id=306

http://www.artehistoria.jcyl.es/v2/obras/12348.htm

http://www.wikipedia.org/

Arte Abstracto

Arte abstracto:

Este movimiento surge alrededor de 1910 en Alemania, Holanda y Rusia, como reacción al realismo, e influido por la aparición de la fotografía que provocó la crisis del arte figurativo, siendo una de las manifestaciones más significativas del arte del siglo XX.

En cuanto a la temática, la obra de arte se convierte en una realidad autónoma, sin conexión con la naturaleza y, como consecuencia, ya no representa hombres, paisajes, flores, sino simplemente combinaciones de colores que intentan expresar la necesidad interior. 

Con respecto a la técnica utilizada, se trabaja con formas irregulares y con una gran gama cromática; a los artistas les importa la mancha de color y la expresión. 

El arte abstracto usa un lenguaje visual de forma, color, línea para crear una composición que puede existir con independencia de referencias visuales del mundo real.

Sus más memorables representantes fueron Wassily Kandinsky, Piet Mondrian, Kazimir Severínovich Malévich, Paul Klee y Jackson Pollock.

Breve reseña de Wassily Kandinsky:                                               

Nació el 4 de diciembre de 1866 en Moscú, Rusia. Kandinsky compaginó sus estudios de derecho y economía con clases de dibujo y pintura. Al tiempo que se interesaba por la cultura primitiva y las manifestaciones artísticas populares rusas, muy especialmente por el arte propio de la región de Volodga, rico en ornamentos, también descubrió la obra de Rembrandt y Monet.

Cuando cumplió los treinta años, Kandinsky abandonó la docencia y fue a estudiar pintura a Munich, renunciando a un porvenir académico ya consolidado. En esta ciudad asistió a las clases de F. Stuck y en ellas conoció a Paul Klee, con el que mantendría una sincera y prolongada amistad. Su interés por el color está presente desde el comienzo de su carrera, y se puede apreciar en sus primeras pinturas la influencia del postimpresionismo, el fauvismo y el Jugendstil alemán.

Entre 1910 y 1914 Kandinsky pintó numerosas obras que agrupó en tres categorías: las impresiones, inspiradas en la naturaleza; las improvisaciones, expresión de emociones interiores; y las composiciones, que aunaban lo intuitivo con el más exigente rigor compositivo. Estos cuadros se caracterizan por la articulación de gruesas líneas negras con vivos colores y en ellos se percibe todavía un poco la presencia de la realidad.

En 1911 fundó junto a Franz Marc y August Macke el grupo Der Blaue Reiter, organizando diversas exposiciones en Berlín y Munich.

Al estallar la Primera Guerra Mundial, Kandinsky volvió a Moscú y allí emprendió varias actividades organizativas en el marco del Departamento de Bellas Artes del Comisariado Popular de la Educación. En 1917 se casó con Nina Andreievsky y cuatro años más tarde se trasladó con ella a Alemania para incorporarse a la Bauhaus en la primera etapa de Weimar, donde continuaría como profesor hasta poco antes de su disolución.

La influencia del entorno de la Bauhaus se dejó sentir, y su obra experimentó una transición hacia una mayor estructuración, tanto compositiva como formal, que se ha dado en llamar el período arquitectural de su pintura, al cual siguió otro de transición en que experimentó con los trazos circulares y concéntricos (Círculos, 1926). También escribió manifiestos para la Bauhaus y publicó el libro Punto y línea sobre el plano. En 1933, clausurada la Bauhaus por los nazis, el pintor se instaló en Francia. En esta última etapa de su vida continuó en su particular búsqueda de formas inventadas, que plasmó por medio de colores combinados de manera compleja e inspirándose en signos geométricos y en motivos decorativos eslavos, como hiciera ya al comienzo de su trayectoria pictórica.

Kandinsky fallece el 13 de diciembre de 1944 en Neuilly-sur-Seine.

Descripción de la obra “Composición VII”:

Wassily Kandinsky se preparó durante meses desarrollando diversas ideas pictóricas en dibujos, grabados, acuarelas y óleos. Con las ideas más o menos claras, encargó un bastidor de 2 x 3 metros y entre el 26 y el 29 de noviembre de 1913, en poco menos de cuatro días obró el milagro. Realizó una pintura a la que tituló “Composición VII”, la séptima de sus únicas diez composiciones. Las partes del cuadro están dispuestas con trazos oscuros o bases planas de color blanco. Parece ser que el punto de partida del pintor fue la estructura gráfica de fondo.
En el margen inferior izquierdo vemos aún el único signo claramente legible en el contexto kandiskiano que remite a una barca de remos, muy usado por él. Además también hallamos restos de objetos ocultos pertenecientes a los ciclos temáticos del diluvio, el juicio final y la resurrección. Kandinsky definió a esta pintura como no figurativa, sin partir de ningún tema ni de formas de origen corporal.
En la versión definitiva llaman la atención las superficies legibles de los elementos pictóricos y gráficos que son individuales; separación consecuente que Kandinsky venía practicando desde 1911 como una característica incontestable en el camino de la abstracción.
Los contornos que rodean los objetos se independizan en la pintura en forma de elementos gráficos propios. Asimismo, la superficie cromática liberada de tal modo se convierte en una mancha de color, pues el color se distribuye dinámicamente hacia todos lados, en vez de ser retenido por la línea rígida y permanecer atado al objeto.

Fuentes:

http://es.wikipedia.org/wiki/Wassily_Kandinski

http://laschicasdeloleo.wordpress.com/page/3/

http://www.epdlp.com/pintor.php?id=280

Futurismo

Futurismo:

El Futurismo es un movimiento artístico que surge en Italia en el primer decenio del siglo XX mientras el Cubismo aparece en Francia. Gira en torno a la figura de Marinetti, quien publica en el periódico parisiense Le Figaro el 20 de Febrero de 1909 el Manifiesto Futurista. Proclama el rechazo frontal al pasado y a la tradición, defendiendo un arte anticlasicista orientado al futuro, que respondiese en sus formas expresivas al espíritu dinámico de la técnica moderna y de la sociedad masificada de las grandes ciudades.
La característica principal del futurismo es la plástica del dinamismo y del movimiento. El efecto de la dinámica se transmitía en vibrantes composiciones de color que debían producir un paralelismo multisensorial de espacio, tiempo y sonido. Al principio, se valieron para la realización de sus objetivos artísticos de la técnica divisionista, heredada del neoimpresionismo y más tarde se aplicó la técnica cubista de abstracción, como procedimiento para desmaterializar los objetos. A partir de estas premisas, la representación del movimiento se basó en el simultaneismo, es decir, multiplicación de las posiciones de un mismo cuerpo, plasmación de las líneas de fuerza, intensificación de la acción mediante la repetición y la yuxtaposición del anverso y del reverso de la figura.

Entre los artistas más destacados podemos encontrar a Umberto Boccioni, Carlos Carrà, Luigi Russolo, Gino Severini, Filippo Tommaso Marinetti.

Breve reseña de Umberto Boccioni:

Nació el 19 de octubre de 1882 en Regio de Calabria. Fue un pintor y escultor italiano, teórico y principal exponente del movimiento futurista.

Tras su llegada a Milán y su encuentro con los divisionistas y con Filippo Tommaso Marinetti, escribió, junto con Carlo Carrà, Luigi Russolo, Giacomo Balla y Gino Severini, elManifiesto de los pintores futuristas (1910), al cual siguió el Manifiesto técnico del movimiento futurista (1910). Según dichos manifiestos, el artista moderno debía liberarse de los modelos y las tradiciones figurativas del pasado, para centrarse únicamente en el mundo contemporáneo, dinámico y en continua evolución. Como temas artísticos proponían la ciudad, los automóviles y la caótica realidad cotidiana.

En sus obras, Boccioni supo expresar magistralmente el movimiento de las formas y la concreción de la materia.

Aunque influenciado por el cubismo, al que reprochaba su estatismo excesivo, Boccioni evitó siempre en sus cuadros la línea recta y utilizó los colores complementarios para crear un efecto de vibración. En cuadros como Dinamismo de un ciclista (Dinamismo di un ciclista, 1913), o Dinamismo de un jugador de fútbol (Dinamismo di un giocatore di calcio, 1911), las representaciones de un mismo tema en estadios temporales sucesivos sugieren eficazmente la idea del movimiento en el espacio.

Un intento similar domina también su escultura, en la cual despreció a menudo los materiales nobles, como el mármol o el bronce, prefiriendo la madera, el hierro o el cristal. Lo que le interesaba era mostrar la interacción de un objeto en movimiento con el espacio circundante.

Entre sus obras pictóricas más relevantes destacan “Tumulto en la galería”, “Estados de la mente n. 1. Las despedidas”, en la cual los estados de ánimo se expresan mediante relámpagos de luz, espirales y líneas onduladas dispuestas diagonalmente, y “Forze di una strada”, donde la ciudad, casi un organismo vivo, tiene mayor importancia que las presencias humanas.

Umberto Boccioni fallece el 17 de agosto de 1916 en Verona.

Descripción de la obra “Formas únicas de la continuidad del espacio”:

Formas únicas de la continuidad del espacio no pretende representar un cuerpo según una concepción realista, sino transmitir la acción de dicho cuerpo a partir del estudio de la musculatura y el movimiento humanos. La extensión de las extremidades de este prototipo crea en el espectador la sensación de encontrarse ante una obra dinámica. Otra fuente del artista fue el cubismo, del que aprovechó la representación simultánea de diversos lados de un mismo elemento para conseguir la deseada sensación de desplazamiento. La pasión de los futuristas por el movimiento llevó a Filippo Tommaso Marinetti, ideólogo del grupo, a declarar que un coche de carreras es más bello que la Victoria de Samotracia, escultura con la que, paradójicamente, se compara hoy esta obra.

Fuentes:

http://es.wikipedia.org/wiki/Futurismo

http://www.epdlp.com/pintor.php?id=195

http://www.biografiasyvidas.com/biografia/b/boccioni.htm

Cubismo

“Señoritas de Avignon”: 

Pintada por Pablo Picasso en el año 1907. Actualmente se encuentra en el  Museo de Arte Moderno de Nueva York.

Fauvismo

“Madame Matisse”:

 Pintada por Henri Matisse en el año 1905. Actualmente se encuentra en el museo Statens Museum de Copenhague.

Expresionismo

Expresionismo:

El expresionismo fue un movimiento cultural surgido en Alemania a fines del siglo XIX y principios del siglo XX como reacción frente a los modelos que habían prevalecido en Europa desde el renacimiento, particularmente en las anquilosadas academias de bellas artes.

Este movimiento es una corriente artística que busca la expresión de los sentimientos y las emociones del autor más que la representación de la realidad objetiva.
Revela el lado pesimista de la vida generado por las circunstancias históricas del momento. La cara oculta de la modernización, la alineación, el aislamiento, la masificación, se hizo patente en las grandes ciudades y los artistas, creyeron que debían captar los sentimientos más íntimos del ser humano. La angustia existencial es el principal motor de su estética.
El fin es potenciar el impacto emocional del espectador distorsionando y exagerando los temas. Representan las emociones sin preocuparse de la realidad externa, sino de la naturaleza interna y de las impresiones que despierta en el observador. La fuerza psicológica y expresiva se plasma a través de los colores fuertes y puros, las formas retorcidas y la composición agresiva. No importa ni la luz ni la perspectiva, que se altera intencionalmente.
La obra de arte expresionista presenta una escena dramática, una tragedia interior. De aquí que los personajes que aparecen más que seres humanos concretos reproduzcan tipos. La pintura, por tanto, se toma como un medio de desahogarse y de ver la vida con otro punto de vista. Distorsiona las formas retorciéndolas y pintan rostros desfigurados y tristes, tratando de buscar con las líneas, el transmitir el ritmo de esos sentimientos.
Con respecto al arte expresionista Gombrich afirma que los expresionistas sintieron intensamente el sufrimiento humano, la pobreza, la violencia y la pasión.
Ellos querían mostrar su compasión por los desheredados y los contrahechos.

Entre los artísticas más destacados podemos encontrar a Edvard Munch, Georges Henri Rouault, Die Brücke, Paul Klee y Wassily Vasílievich Kandinski.

Breve reseña de Edvard Munch:
Nacido en Loeiten, Noruega, el 12 de diciembre de 1863; comenzó a pintar a la edad de 17 años. Una beca estatal, concedida en 1885, le permitió proseguir sus estudios en París durante un breve período de tiempo.
Veinte años después, en las ciudades de París y Berlín, Munch desarrolló la mayor parte de su producción artística. Tras una primera influencia de la pintura impresionista y postimpresionista, derivó hacia un estilo mucho más personal, obsesivamente apegado a la representación de imágenes relacionadas con la enfermedad y la muerte. La exposición de sus cuadros en Berlín en el año 1892 impresionó de tal modo a las autoridades que decidieron cerrar la muestra.
Sin inmutarse por la contrariedad, Munch y sus partidarios trabajaron durante toda la década de 1890 en pro del desarrollo del arte expresionista alemán. De entre toda su obra, la más conocida es quizá El grito (1893, Museo Nacional de Oslo). Ésta, junto con el angustioso Niño enfermo (1881-1886, Museo Nacional de Oslo), reflejan el trauma sufrido por Munch en su niñez al morir su madre y su hermana víctimas de la tuberculosis. Pinta también tristes y melancólicas escenas, como El puente, con figuras lánguidas, de rasgos y rostros indefinidos. El reflejo de sus ansiedades sexuales puede verse en sus múltiples retratos de mujeres, representadas alternativamente, como frágiles e inocentes víctimas o como vampiresas devoradoras de vida. En 1908 su estado de ansiedad alcanzó tal magnitud que hubo de ser hospitalizado. En 1909 regresó a Noruega.
La relativa tranquilidad que dominó su vida desde 1909 en adelante tiene su reflejo artístico en los murales de la Universidad de Oslo (1910-1916) y en el vigoroso y brillante colorido de sus paisajes. Aunque los últimos cuadros no son tan torturadores como sus primeros trabajos, su último autorretrato, Entre el reloj y la cama (1940, Museo Munch de Oslo), marca una vuelta a la introspección de años anteriores.
Las numerosas xilografías, aguafuertes y litografías que Munch realizó a lo largo de su carrera tienen hoy día una significativa consideración dentro del arte gráfico contemporáneo, un trabajo y un estilo que puede definirse como poderoso, simple, directo y fuerte. Son muy pocos los cuadros de Munch que se conservan fuera de Noruega, entre ellos figura Atardecer.

Edvard Munch fallece el 23 de enero de 1944.

Descripción de la obra “El grito”:

Este famosísimo cuadro es lo más expresivo de toda la pintura contemporánea. Refleja el temor ante el cambio de siglo y la tensa situación internacional que vivía Europa por aquellos tiempos. También refleja los temores y angustias existenciales del propio Munch tales como su relación amor-odio con las mujeres, la reciente muerte de su madre y sus tendencias psicológicas depresivas.

En el fiordo de Oslo, al borde del agua, una mujer cuyo rostro semeja una calavera se aprieta las manos contra la cara como signo de angustia y desesperación. Los colores chillones y las distorsiones de las líneas crean una atmósfera agobiante y opresiva, una muestra de la soledad del ser humano y su pesimismo frente a las adversidades. En un segundo plano aparecen otras dos personas frías y distantes como queriendo significar que el prójimo no nos ayuda en los momentos de desesperación.

El castillo de Akersus y los barquitos completan la inquietante composición mientras el color rojo predominante aporta una dosis extra de angustia y peligro que acentúa el tono sombrío del cuadro. Ese cielo encendido y esos torbellinos parecen envolver a la persona que grita ya que se siente amenazada y oprimida.

Además de lo dicho anteriormente, puedo agregar que el empleo de los colores, violentos, arqueados en agresivas bandas de color, es puramente simbólico y trata de transmitir al espectador el agitado estado de ánimo del autor. Esta sensación se refuerza con la presencia de dos testigos mudos, lejanos, anónimos, dos figuras negras que se recortan al fondo de una violentísima perspectiva diagonal que agrede la visión de quien la contempla. Las formas se retuercen y los colores son completamente arbitrarios, tan sólo intentan expresar el sentimiento del autor y no una verdad racional.

Fuentes:

http://www.epdlp.com/pintor.php?id=321

http://www.cossio.net/actividades/pinacoteca/p_03_04/munch.htm

http://pendientedemigracion.ucm.es/info/echi1/imagen/pint/gritomunch.htm

http://es.scribd.com/doc/8770893/Contexto-historicocultural-de-la-primera-mitad-del-Siglo-XX

http://www.arteespana.com/expresionismo.htm

Neoimpresionismo

Neoimpresionismo:

El neoimpresionismo, también conocido como divisionismo o puntillismo surge en Francia a finales del siglo XIX. La técnica utilizada, es una modalidad estilística del impresionismo desarrollada por Seurat y Signac.
Surge, en cierto grado, como reacción contra el impresionismo. Los impresionistas habían formulado los principios que les servían de base, pero sin una suceción firme a los mismos, cosa que si harán los neoimpresionistas. Sin embargo, se oponen al impresionismo por su interés por el volumen y la ordenación meditada del cuadro.
Signac fue el teórico del movimiento y su representante más riguroso. En 1899 publicó un libro titulado "De Eugène Delacroix al Neoimpresionismo" a partir del cual surgió un gran número de seguidores.
El neoimpresionismo tuvo una vida corta (1884 a 1891) ya que las obras requerían una paciente elaboración.

Las características principales del neoimpresionismo son: preocupación por el volumen; formas concebidas dentro de una geometría de masas puras, bien definidas (pero sin perfiles); preocupación por el orden y la claridad; retorno a la ordenación meditada del cuadro, aplicando los principios clásicos de la composición; aplicación firme del principio de la mezcla óptica: los tonos son divididos o descompuestos en los colores básicos puros para que el ojo los restituya en la visión lejana normal; utilización de la técnica del puntillismo: los cuadros son pintados mediante pequeñas pinceladas o punteados de colores puros para así lograr la mezcla óptica; predilección por asuntos como puertos, orillas de ríos y escenas circenses (Signac); las influencias del neoimpresionismo son las mismas que los impresionistas pero con mayor peso de las teorías ópticas de Chevreul sobre el contraste simultáneo de los colores.

Breve reseña de Georges Seurat:

Seurat nació en París, Francia. A pesar del humilde trabajo de su padre, que era alguacil, su familia poseía una serie de tierras que generaban unos buenos ingresos. Su padre era nativo de Champaña y su madre era parisina. En 1875 Seurat ingresa en la escuela municipal de dibujo, en la clase del escultor Justin Lequien. Aquí conoce a Edmond Aman-Jean, con el que mantuvo una estrecha amistad toda su vida. En 1878, gracias a Edmond, ingresa en laEscuela de Bellas Artes de París, donde estudiará hasta 1879. A pesar de su buena voluntad, Georges no destaca por su talento artístico, obteniendo unos resultados mediocres. Conciente de ello, inicia su trabajo en el Louvre con gran intensidad copiando las obras maestras deRafael, Holbein y Poussin. Interesado en adquirir mayores conocimientos técnicos estudia con detenimiento "La loi du contraste simultané des couleurs", y aplica sus conocimientos técnicos en su arte. Seurat creó la técnica de puntillismo que fue utilizada sólo por él.

Después de un año de servicio en la academia militar de Brest, regresó a París en 1880. Su estancia en Brest le permite descubrir la fuerza del mar que tendrá tanta importancia en su pintura. Una vez en París, compartió un pequeño estudio en la ribera izquierda del Sena con Aman-Jean y Ernest Laurent antes de mudarse a su estudio propio. Durante los siguientes dos años se dedicó a perfeccionar el arte del dibujo en blanco y negro y las propiedades físicas de la luz. Su precaria situación económica le obliga a tener que recurrir a la venta de sus cuadros pero sin necesidad de adaptarse al gusto de sus clientes. Durante 1883 inició su primer gran obra, un enorme lienzo titulado Un baño en Asnieres que en 1886 fue vendido al Louvre. Después que su pintura fuera rechazada por el Salón de París, Seurat se negó a presentarla en establecimientos como el Salón, aliándose con los artistas independientes de París. En 1884 él y otros artistas (incluyendo a Maximilien Luce ) formaron la Société des Artistes Indépendants. Allí conoció y estableció una amistad con su compañero artista Paul Signac. Seurat compartió sus nuevas ideas acerca del puntillismo con Signac, quien posteriormente pintó con la misma técnica. En el verano de 1884 Seurat comenzó la creación de su obra maestra "Tarde de domingo en la isla de la Grande Jatte", que le llevó dos años completar. Su cuadro se expone en 1886 junto a otras obras de pintores de su grupo. Con este cuadro nace el término puntillismo, o técnica de la mezcla óptica de los colores.

En el verano de 1885 Seurat pinta en Grandcamp un conjunto de paisajes marinos, en que perfecciona la técnica puntillista. Uno de estos cuadros, "Le bec du Hoc à Grandcamp" fue, al parecer, la única obra vendida por el autor en vida al precio de 300 francos. Durante los años siguientes Seurat continua con su estilo particular llegando a realizar obras puntillistas incluso con personas. Al mismo tiempo, su obra continúa sin ser entendida por el público y por los críticos llegando a causar escándalos pero a la vez, es apoyado por sus compañeros neo-impresionistas.

En 1889 realiza el cuadro "La torre Eiffel" monumento que le fascinaba. A partir de este momento Seurat empieza a aislarse cansado de las polémicas que rodean su obra y de las disensiones con los propios miembros del grupo artístico. Después se mudó del bulevar de Clichy a un estudio cercano más tranquilo donde vivió secretamente con una joven modelo, Madeleine Knobloch, que en febrero de 1890 dio a luz al hijo del artista. No fue sino hasta dos días antes de su muerte que presentó su joven familia a sus padres. Tras la muerte de Seurat, Madeleine dio a luz a su segundo hijo, cuyo nombre es desconocido. Seurat, tenía varias amantes sin que su esposa se enterara; tuvo más de 15 hijos no reconocidos y según parece estos han creado polémicas sobre quien se quedaría con su gran fortuna.

Seurat murió de difteria a la temprana edad de 31 años, y fue incinerado en el cementerio dePère Lachaise.

Descripción de la obra “El circo”:

Esta obra la pintó Seurat en la última etapa de su vida, y según parece no llegó a concluirla. Fénéon sugiere que esto se puede apreciar en que hay amplias zonas del lienzo en las que los contornos apenas se han esbozado con pequeñas pinceladas de azul.

En esta obra es llamativo el uso que hace Seurat de las líneas curvas, con un claro predominio de las horizontales (a excepción de la gran puerta que aparece arriba a la derecha). Para entender el uso que hace Seurat de horizontales y verticales, así como la elección de colores de esta obra, es significativo el siguiente texto, dictado por Seurat a sus biógrafos:

«Línea es la dirección en relación con la horizontal. Todas estas armonías se clasifican en armonías del reposo, del júbilo y de la tristeza. El júbilo surge en el tono cuando predomina lo claro; en el color cuando predomina lo cálido, en la línea con el movimiento que se alza sobre la horizontal. El reposo aparece cuando lo oscuro y lo claro se equilibran.»

Según este punto de vista expuesto por el mismo Seurat, está claro que ha compuesto en esta obra un estudiado plan en el que los tonos claros y colores cálidos que predominan no tienen una función accidental: buscan transmitir el júbilo, la alegría del espectáculo circense. Lo mismo sucede con las curvas dispuestas sobre la vertical, como la acróbata sobre el caballo, el saltimbanqui o el maestro de ceremonias.

El marco que pinta Seurat en los bordes aparece también en otras de sus obras (como en Una tarde de domingo en la Grande Jatte) y su función es la de resaltar el contenido enmarcado mediante el uso de colores complementarios (el contenido es anaranjado, y el marco azul marino).

Esta obra se expuso (aún estando inconclusa) en el séptimo Salón de los Independientes, en 1891. Seurat moriría repentinamente de difteria, a la temprana edad de 31 años antes de que concluyera esta muestra.

Fuentes:

http://www.artelibre.net/ARTELIBRE2/IMPRESIONISTAS/SEURAT/seurat.htm

http://ntic.educacion.es/w3/eos/MaterialesEducativos/mem2006/impresionismo/xhtml/04neoimp/04b4.html

http://es.wikipedia.org/wiki/Georges_Pierre_Seurat